LA PINTURA DEL CUATTROCENTO

PINTURA


Desde el Renacimiento, la pintura va a cobrar una especie de primacía que hasta entonces no tenía pero que le permitirá llegar hasta nosotros como el arte rey. La implantación (aunque no generalizada) del cuadro al óleo y sobre tela tendrá mucho que ver en esto al igual que el talento de los artistas que comentaremos a continuación y en los que encontraremos un estilo personal, una investigación propia.
Lo perspectiva y lo conquista de la realidad en un espacio bidimensional
El descubrimiento y la aplicación de las leyes de la perspectiva lineal en la primera mitad del “Quattrocento” se realizan en la ciudad de Florencia, en el ambiente cultural de la alta burguesía progresista. Se produce un cambio cultural del modo de ver y del modo de representar, por lo que la expresión plástica adopta una visión del espacio natural, perfectamente mensurable, construido científicamente y representado según normas matemáticas.
El descubridor de la perspectiva lineal, Brunelleschi, es el primer arquitecto que pensó y concibió la arquitectura como espacio. De este modo la ciencia perspectiva supera los límites propios de la práctica pictórica y constituye la base de las artes del diseño. Junto a Brunelleschi desarrollan la nueva técnica perspectiva el pintor Massaccio y el escultor Donatello. (“La Santísima trinidad” de Massacio).

El sistema de representación de la perspectiva lineal se basa en la intersección de la pirámide visual: se traza un haz de líneas constituyendo una pirámide cuyo vértice es el punto de fuga de las mismas (el llamado punto central); el eje de la pirámide une el ojo que percibe la realidad (llamado punto de vista) con el vértice o punto de fuga; y la base de la pirámide es la resultante de un corte por medio de un plano perpendicular al eje. Como todas las caras de la pirámide son triángulos, las diversas intersecciones posibles darán siempre triángulos semejantes y de lados iguales y en los diversos planos de profundidad el tamaño irá disminuyendo proporcionalmente a la distancia. Pero el plano de intersección no existe como plano concreto (sería el cuadro) sino que, para dar la ilusión de un espacio que se extiende en profundidad a partir del plano del cuadro, se simula que el observador contempla la realidad como a través de una “ventana abierta”.
En el siglo XV italiano pueden distinguirse desde el punto de vista formal dos grupos de pintores: los innovadores, que consideran la superficie pictórica como un campo de experimentación y, en la línea marcada por Giotto, quieren traducir una nueva corporeidad y espacio en perspectiva; y los que podemos denominar "continuadores" de la tradición y que, aunque son conocedores de los nuevos métodos, siguen inmersos en el mundo tardogótico. De los primeros tenemos como precursor a Masaccío, fundador del arte moderno, al que seguirán Perugino, Mantegna, Ucello, Signorelli o Fiero della Francesca. Del grupo de los continuadores podemos citar a Fra Filippo Lippi, Fra Angélico o a Sandro Boticelli. Un ejemplo representativo de cada uno de los grupos nos será suficiente para captar las notables diferencias.

MASACCÍO   es   a   la   pintura   lo   que   Brunelleschi   a   la arquitectura o Donatello a la escultura: un innovador y un precursor.  En frescos de la capilla Brancaccí de Florencia pinta La Trinidad (hacia 1425), el fresco de la iglesia de Santa Mario Novella.
Lo que destaca de esta obra es  el  ilusionistno espacial confiado a  la ficción arquitectónica y a  la  perspectiva geométrica: el punto de fuga va a parar a la base de la cruz y se crean cinco niveles de profundidad: del Dios Padre situado al fondo en el espacio de la bóveda a Cristo en la cruz pasando  por  San Juan y la  Virgen y  los donantes arrodillados en la escalera inferior del espacio exterior. La muerte pintada debajo de la composición se convierte en redención por el sacrificio de Cristo.
La estructura es claramente piramidal e introduce el ritmo por  la  alternancia  cromática  de  los  personajes  que  se resume en la figura del Dios Padre.

SANDRO BOTICELLI: ELEGANCIA Y BELLEZA

Sandro Boticelli: El pintor más representativo de la vida artística florentina. Toma sus temas  de las Fábulas y de la mitología antigua, pero su forma de pintar es puramente renacentista. Lo más llama la atención en su pintura es el dibujo de trazo nervioso, el movimiento que impregna toda; formas. Con frecuencia, elige como escenarios paisajes primaverales y presenta al cuerpo humano nudo. Sus personajes son refinados y de rostro melancólico. El pintor refleja en ellos su honda sensibilidad y su pesimismo.

El Nacimiento de Venus de 1484, temple sobre lienzo. La atención del cuadro se concentra más que en la masa en la línea de contornos. Una horizontal en alto marca el encuentro entre mar y cielo y es el contrapunto a la verticalidad de los troncos de los naranjos; en línea quebrada se adentra la ensenada y unas simplificadas uves sugieren el movimiento del mar, reservando para los personajes el incremento del ritmo a base de segmentos de curva.

Los colores son discretos. Un ámbito verde-azulado contrasta con la zona de timbre más bajo a la derecha de la composición para dejar sobresalir los cárnicos, casi marmóreos, a los que sumar marfiles, rosáceos y azules. La luz cenital, por su parte, acentúa la sensación de inmaterialidad.
La composición es triangular. Un segmento de arco marca el eje simétrico del personaje central mientras que las masas de la derecha con el manto hinchado equilibran a los personajes de la izquierda. A su vez hay una dirección que es la sugerida por el viento de izquierda a derecha y que la leve inclinación del cuerpo desnudo y de su cabello se encarga de recoger en el manto hinchado por el viento.
La iconografía nos regala dos escenas en una. En la primera Céfiro, abrazado a su consorte Cloros que se ha convertido en Flora, es el viento del Oeste; con suave brisa y entre lluvia de rosas -la flor de Venus- empuja hacia Citera la concha sobre la que se posa desnuda Venus. La otra escena que aparece simultáneamente es una de las Horas, divinidades de las estaciones, en concreto la que representa a la Primavera, acogiendo en su manto a Venus.
Estamos ante una alegoría profana, un tema mitológico que exalta el nacimiento de la belleza femenina en la autenticidad de los elementos de la naturaleza (agua, aire y tierra). A la vez el mito del nacimiento de la diosa se corresponde con la convicción cristiana del bautismo.
(Composición a partir de Carlos Mas)

LA ESCULTURA DEL CUATTROCENTO

ESCULTURA

•    La escultura renacentista es menos rupturista con el pasado gótico, debido en particular al hecho de que desde ya hacía mucho tiempo la escultura religiosa de la Iglesia había servido para cristianizar a la población europea.
•    Deja de depender del marco arquitectónico como en el pasado medieval y se convierte en un arte realista. Sus materiales son variados, aunque fundamentalmente son  mármol y bronce.
•    Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
•    Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
•    Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
•    Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
•    Las primeras manifestaciones de la escultura renacentista vienen de la mano de dos grandes artistas florentinos: Ghiberti y Donatello.
El tema se planteará en el concurso de las Puertas del Baptisterio de Florencia. La primera de las puertas había sido obra de Andrea Pisano y ahora se trataba de hacer las segundas puertas; allí se encontrarán Brunelleschi y Ghiberti, cada uno con una plancha distinta pero del mismo tema: El Sacrificio de Isaac. Brunelleschi plantea un medallón cuadrifolio, con una distribución muy apretada, que nos recuerda a los relieves góticos por ese horror vacui, así como el desnudo que carece de constitución, a pesar de esto el tratamiento de los paños si es totalmente clásico.

Ghiberti en cambio es diferente, no intenta ocupar todo el espacio, sino que aglutina la escena principal en un lado, dándole verticalidad y gran profundidad. El sentido clásico es mayor en el tratamiento del cuerpo de Isaac, ya con un gran preciosismo en su ejecución, totalmente clásica.   Ghiberti gana a concurso.
En estas segundas puertas (Norte) aparecen 28 escenas con temas de la vida de Cristo, más los Evangelistas y los Padres de la Iglesia sobre fondo plano y en cuadros lobulados.
Haría, por último las puertas del lado este, en donde hubo cambios significativos; primero en la disposición. El número de escenas se reduce a diez relieves, la forma es cuadrada (lo que ayudará a su efecto pictórico) y el tamaño aumenta con respecto a la segunda puerta.
El tiempo de ejecución es dilatado (27 años) lo que nos habla del virtuosismo de la ejecución y de una depurada técnica de fundido en bronce, además del cincelado y el sobredorado, sin duda uno de los grandes hallazgos de un taller donde se formaron gran número de artistas de la primera generación florentina.
La composición es muy importante: hace rodar las formas en torno a un centro ideal que se convierte en eje respecto a la composición. Enmarca los diez relieves en una orla de adornos vegetales y cabezas de profetas situados en ambos batientes de la puerta. El paisaje y las arquitecturas representan un escenario donde los personajes ocupan un lugar preciso en el espacio, en la proporción y en el volumen. Más que ante un geometrismo abstracto, estamos ante la captación del movimiento.
La   iconografía   se   dedica   al   Antiguo Testamento (Caín y Abel, Encuentro de Salomón y la reina de Saba, Historia de Esaú y Jacob, La Creación y el Pecado original. Historia de David y Goliat, Historia de José).

DONATELLO es, junto a Ghiberti, el más hábil escultor del primer Renacimiento. Tras viajar a Roma con Brunelleschi, donde consolida sus conocimientos de la plástica clásica, realiza   David   con   la   cabeza   de   Goliat (1430),  posiblemente  el primer desnudo desde la antigüedad y ejemplo claro del humanismo  y  del   realismo.  La  temática religiosa se convierte en mero pretexto para la realización de un volumen de clara evocación clásica.

Efectivamente la referencia helenística se deja ver en la composición-  con el  contrapposto que da al cuerpo ese movimiento contenido tan   propio  de   la   escultura  clásica  (La evocación de Praxíteles es inevitable).
Donatello es también el autor del Monumento ecuestre al condottiero Gattamelata en Padua. El artista a un género de inspiración clásica (estatua ecuestre de Marco Aurelio). Donatello adopta la línea cerrada y apoya la pata del animal sobre la bola para garantizar el equilibrio y cerrar el conjunto en sus límites de contorno.
El movimiento se presenta en preparación- Gattamelata pasa revista y avanza de manera despaciosa. Se convierte en una representación de la "potestas" romana, la fuerza que da la convicción y no la arrogancia o la violencia.
El naturalismo es evidente y se concreta en la expresión del rostro, en el mentón, en los pómulos.
También debe destacarse la perfección técnica, la dificultad de ejecución que implica un bronce de semejante tamaño.

Andrea VERROCHIO 35 años después, en este caso para representar al Colleone en 1479 en una plaza veneciana. Las diferencias de tratamiento son evidentes:
a)    El detallismo es mayor. El trabajo a buril tras   el   fundido   se   nota.
b)    El movimiento y el nerviosismo del caballo y del jinete que se aprecian en el rostro, la mirada y el giro del caballo, provocan una riqueza de planos y multiplican los puntos de vista.
c)    La   representación  del   poder  también   es distinta.   Este   condottiero   pasa   también revista a sus tropas pero infunde miedo.
d)    Estamos ante un guerrero con la indumentaria de la época, que deja de vestir a la romana.
e)    El retrato no es genérico. El espectador está también incluido ya que pensando en él, y en la distancia óptica a la que se encuentra en la plaza, Verrochio modifica la escala del jinete y la agranda con respecto al caballo que se convertiría en muy pequeño si el jinete descendiese.
(A partir del libro de Carlos Mas)

LA ARQUITECTURA DEL CUATROCCENTO

RENACIMIENTO

CARTA DE LEONARDO DA VINCI A LUDOVICO SFORZA

Excelentísimo Señor mío:
Habiendo examinado cuidadosamente las pruebas de cuantos se ufanan, considerándose a sí mismos, maestros en la construcción de aparatos bélicos, y habiendo comprobado que en el uso de tales aparatos no representa ninguna innovación al uso común, sin detrimento de nadie me esforzaré en exponer a Vuestra Excelencia algunos de mis secretos. Me ofrezco además para el momento en que más le plazca poner en acción las cosas que brevemente anoto a continuación (y otras muchas que exijan las circunstancias de cada caso):
He inventado ciertos tipos de puentes, que son ligeros y al mismo tiempo sólidos: fáciles de transportar, tanto para perseguir al enemigo como para escapar de él si fuere necesario. Tengo también otros, seguros y capaces de resistir el fuego de la batalla y que pueden ser montados y desmontados con toda comodidad. Poseo también procedimientos para incendiar y destruir los puentes del enemigo.
Sé la manera de extraer agua de los pozos..., y construir puentes, catapultas, escalas de asal-to, y un sin número de instrumentos útiles para tales batallas.
Si las dificultades del terreno y las condiciones físicas del lugar hicieran imposible en el sitio de una fortaleza emplear bombardas, sé cómo destruir la roca más dura y cualquier otro tipo de defensa que no tenga sus cimientos bajo la roca viva.
He inventado además una clase de bombardas muy fáciles y cómodas de transportar, que pueden lanzar sobre el enemigo una tempestad de piedras pequeñas, al tiempo que el humo que provoca infunde terror y destruye al enemigo.
Para los combates navales dispongo de aparatos muy adecuados tanto para atacar como para defender, y sé fabricar navios capaces de resistir el fuego de las más potentes bombardas.
Si fuere necesario puedo hacer bombardas, morteros y otras máquinas de fuego, bellísimas y al mismo tiempo útiles, y completamente nuevas y distintas.
En tiempos de paz creo que puedo igualarme con cualquier otro en arquitectura, proyectos de edificios, tanto públicos o privados, y en la conducción de aguas.
Además puedo ejecutar las esculturas en mármol, bronce y arcilla y sé hacer todo cuanto puede hacerse en pintura, sin temer la comparación con cualquier otro artista. Y finalmente, podré emprender la realización en bronce de mi modelo de caballo que resultará una gloria inmortal y un honor eterno de la feliz memoria de vuestro Señor padre y de la casa de Sforza.
Si alguna de las cosas que he mencionado parecieran imposibles o impracticables, me ofrezco de buen grado a experimentarlas en vuestros parques, o en aquel lugar que más le agradare a V,E. a quien con toda humildad me recomiendo.
LEONARDO DA VINCI. Florentino.


A lo largo de los siglos XV y XVI, bajo la influencia de los humanistas, nace un arte nuevo, el arte del Renacimiento. Se inicia en Italia.
Italia se encuentra dividida en numerosas ciudades-estados que alcanzan una relativa estabilidad entre 1454-1492. Las principales ciudades, Milán, Bolonia, Florencia, Venecia, Roma, se enriquecen con el comercio y la industria. Todas ellas desean distinguirse por la belleza de sus monumentos y se convierten en activos centros de arte y cultura. Sus soberanos —Lorenzo el Magnífico en Florencia, el Papa Julio II en Roma—, se proclamaban protectores de las artes y de las letras (mecenas), para perpetuar su recuerdo.
Italia es también el país en que las reliquias de la antigüedad están más presentes. Las excavaciones de los monumentos romanos y griegos entusiasman hasta tal punto a los italianos del Renacimiento que desean vivir, estudiar, pensar y escribir como los antiguos griegos y romanos. Y así, profesores, monjes, mercaderes, rivalizan con pasión por coleccionar manuscritos y poseer piezas antiguas.
El Renacimiento llegó a otros países europeos —Países Bajos, España, Alemania y Francia— hacia 1500, por influencia de los artistas italianos, cuando en Italia ya se habían realizado muchas e importantes obras de arte.
En nuestros días, somos herederos del arte renacentista y seguimos utilizando muchos de los conceptos y términos de esta época (la palabra arte, el concepto de bello y feo, etc.). Por ello, estudiar los aspectos más importantes de este movimiento artístico, significa conocer las causas que han hecho posible nuestra cultura artística
Caracteres:
•    Gusto por la naturaleza y la realidad
•    Vuelta a la antigüedad griega y romana, de ahí su preocupación de imitar los monumentos antiguos.
•    Aplicación del óleo en pintura
•    Incorporación de nuevos temas, no necesariamente religiosos, tales como paisajes, mitológicos, desnudos, retratos, etc…

Pero pensar en la Italia del Renacimiento, es pensar sobre todo, en Florencia porque aquella ciudad fue el gran taller donde se experimentaron la mayoría de las ideas políticas y artísticas del Renacimiento.
En los siglos XIV y XV bajo la dinastía de los Medicis, Florencia fue uno de los lugares más importantes de Italia. Poseía una importante industria de lana y seda, y era sede de compañías de banqueros y mercaderes. En ella, surgieron simultáneamente importantes artistas e intelectuales. El comienzo de este periodo de esplendor cultural está dominado por las figuras de Savonarola, Boticelli, Brunelleschi, Donatello, Miguel Ángel, Leonardo, Maquiavelo...

Philippo BRUNELLESCHI, es el  padre de la arquitectura renacentista (1377-1446)

Recibió una amplia formación cultural. Fue primero orfebre y escultor. Estudió en Roma los restos arquitectónicos de la antigüedad y comenzó a practicar a partir de 1420, los principios de la nueva arquitectura. Estos se basan en la perspectiva central, el cálculo de las proporciones y el equilibrio. Construyó iglesias y palacios, destacando la Gran cúpula de la Catedral de Florencia y el palacio Pitti.
Cúpula de la Catedral de Florencia comenzada por Brunelleschi en 1445. La Cúpula es el elemento dominante de casi todas las Iglesias renacentistas. Para realizar ésta, Brunelleschi se inspira en la Gran Cúpula del Panteón de Roma, pero la técnica de construcción así como la forma van a ser muy diferentes.
La clave está en la solución del problema técnico: elevar una cúpula sobre un diámetro de 51'7 m. y una altura de 114 m. Para esto hace dos cúpulas; una interior semiesférica y ía exterior apuntada, reforzadas ambas por cadenas de piedra que, a modo de costillas acusadas al exterior, enlazan y encadenan la base de la cúpula.
En el paisaje de Florencia, el volumen cupular se convierte en un faro, en una referencia espacial que compite con las montañas. Es, a su vez, y como siempre había sido la simbología de la cúpula, una representación del cielo, del universo. El color sirve para subrayar el efecto óptico: las retículas negras sobre fondo blanco del tambor se hacen uniformes con la decoración de la nave al exterior; el ladrillo rojo del casquete armonizo con los tejados de la ciudad y las aristas blancas que confluyen sobre la linterna. La modernidad va más allá. En el medioevo la obra es una creación colectiva; aquí nos encontramos ante una obra de autor en la que el arquitecto no se limita al diseño sino que dirige personalmente la obra hasta su término organizando en los más pequeños detalles
El segundo gran arquitecto del Quattrocento es León Bautista ALBERTI (1406-1472) no sólo conocido por su labor constructiva sino también por ser un teórico de primera talla (Descriptio Urbis Romae, De re aedificatoria}. Trabajará en Florencia (palacio Rucellai , fachada de la iglesia de Santa María la Novella..) en Roma y Mantua donde construyó las iglesias de San Sebastián y  San Andrés. Alberti es un artista más severo, más ecléptico y en cierto sentido más radical al intentar suprimir todo lo medieval, volviendo al purismo clásico.

San Andrés de Mantua es una iglesia de planta basílical, se data hacia 1470.  El original esquema de la fachada estará destinado a tener un gran éxito.

El orden gigante (es decir, de una altura de dos pisos) organiza todo el conjunto, con un orden menor que refleja las proporciones del interior y realiza una segunda subdivisión. La inspiración está en la Basílica de Majencia y en las Termas de Caracalla.
La profunda arcada cubierta por una bóveda artesonada de medio punto, con la alternancia de puertas escuadradas y de nichos así como ventanas curvilíneas, se inspira en los arcos de triunfo romanos. Todo contribuye a la armonía. El eje simétrico que separa en dos partes iguales la composición, el juego de verticales y horizontales en contraste con las curvas de los arcos de medio punto, los diversos módulos de las pilastras corintias, el frontón y tímpano  triangular, la combinación de formas geométricas puras: círculo, rectángulo, cuadrado. No hay escultura ni bajorrelieve porque entorpecería la visión de un teorema.

El palacio italiano 

 En las ciudades de Lombardía, Véneto y Toscana se configura antes que en el resto de Europa nuevas formas económicas que llevan al poder a la aristocracia financiera. Este grupo social prefiere desde el siglo XIII un tipo de vivienda, el palacio urbano que terminará identificándose con la arquitectura municipal.
El Palacio Medid-Ricardi de Florencia obra de Michelozzo,para Cosme de Médícis, se concluyó en 1460.
Estamos ante un cuadrilátero regular, un cubo con un vacío interior que se corresponde con el patio central. Los pisos atenderán a la funcionalidad señalada: el inferior es cerrado al exterior menos por el portal principal, tránsito de comerciantes, clientes y visitantes así como de las caballerizas; el corredor de acceso y el vestíbulo se dedican precisamente al paso de jinetes y mercancías.
El piano nobile (Primer piso) es el marco representativo que requiere la categoría social y los cargos públicos. Aquí encontraremos suntuosos recintos, salones y despachos. El segundo piso, al fin, la vivienda familiar.
La fachada alternó en el Quattrocento entre el aparejo rústico y la fachada de pilastras. Esta fachada de aparejo rústico se presenta en el paramento más tosco de la parte baja que en los pisos superiores. Todo se deja en manos de vanos en arco de medio punto, más reducidos en la planta baja donde aparecen con dovelaje marcado y entre ventanas escuadradas, mientras en los pisos superiores vemos ventanas bíferas apeadas en columnas finas repetidas rítmicamente hasta la cornisa horizontal.
El patio cuadrangular es un ejemplo de ritmo ordenado y tranquilo. Arcadas con molduras recaen directamente sobre capiteles. Sobre ellos, una faja superior con los escudos de armas tondis decorativos. Ritmo, formas y composición, todo en armonía para un modelo del que se derivarán durante siglos las viviendas de los poderosos y los ayuntamientos de las ciudades.

LOS PRECURSORES (Giotto y los Flamencos)

RENACIMIENTO
•    Nueva ideología, como consecuencia del progreso de las ciudades y de las Universidades.
•    El ser humano medida de todas las cosas
•    Dos momentos claves: Pintura flamenca y pintura italiana. La primera dentro de una tradición goticista y la segunda siguiendo la tradición bizantina.
•    Los flamencos muestran al ser humano como alguien subjetivado, es decir realista, y el paisaje nos lo presenta tal como es, en cambio en Italia, esa tradición bizantina hace que el paisaje se nos muestre como algo ideal
•    Los promotores del nuevo arte serán una nueva “clase social”, que solicitan el trabajo de los artistas –los burgueses-, que a su vez los protegerán

Los precursores

Cimabue (Florencia, h. 1240-Pisa, 1302), es claramente bizantino (sus pinturas parecen mosaicos bizantinos) utilizando el temple con fondos dorados y un fuerte estatismo en sus figuras.
Las figuras de Cimabue  se escalonan con una perspectiva caballera, todo muy mental por lo que carece de realismo. Los volúmenes en sus plegados  dan la sensación de estar en el mismo plano, esto provoca que tengan una tensa inmovilidad, aunque con una profunda espiritualidad.

Duccio di Buonisegna, (c. 1255/1260, Siena - c. 1318/1319, Siena) es el primer pintor sienes importante. Su obra capital es la Madona para la catedral, en la que trata de introducir alguna expresión y realismo, aunque siga muy apegado a la rigidez icónica del arte bizantino. Además tiene rasgos goticistas como la figura de la Virgen sentada y más grande que el resto de las figuras. Su discípulo mas celebre fue Simone Martini, sabe dar a sus figuras más gracia y soltura, como lo revela la encantadora Anunciación, del museo de los Oficios



Giotto di Bondone (Florencia 1267 -, 8 de enero de 1337): En este artista el bizantinismo es algo ya pasado, residual. Se da cuenta que el espacio mental no es real, y él lo que busca es conseguir esa realidad, con un volumen y con la profundidad a base de planos, colocando espacios esquemáticos (paisajes, arquitecturas...), hasta llegar a la profundidad o espacio ilimitado, que es el cielo azul; todo esto hasta ahora el bizantinismo había negado. Con Giotto el horrror vacui desaparece, no amontona las figuras, crea un espacio vacío, rellena con un paisaje, lo que hace destacar a las figuras principales. Empieza a dar un claroscuro en los plegados de los vestidos, creando contrastes, junto a ello los personajes componen escenas, se acentúa el movimiento y el volumen y el color alcanzan un protagonismo inusitado.

Realizó sus temas en pintura mural  de dos capillas, la Capilla Arena, la mejor conservada y la más importante de su carrera y la Capilla Scrovegni, ambas en Padua. Estos murales son pasajes bíblicos con una intención didáctica, narrativa,  propia de la Edad Media.
Para sus contemporáneos la ilusión de realidad debe haber parecido un milagro, comparado solamente a los clásicos griegos. Las historias relacionan a Giotto con la idea de superioridad de la pintura sobre la escultura que se propagó en el Renacimiento y que hicieron de ella la mayor de las Artes en la Historia Occidental. De ahí que se dice que la pintura nace con Giotto, modelo de los artistas que le siguieron.


Los primitivos flamencos





Flandes, desde el siglo XIII, alcanzó un notable desarrollo textil y con ello, un gran incremento del comercio. Fue así como en algunas ciudades de la zona (Brujas, Lovaina, Gante) surgió una poderosa clase burguesa que consiguió convertir a todo la región en un área de gran riqueza. Ello permitió que estos grupos sociales alcanzaron un elevado modo de vida y dedicaran parte de sus ingresos a poseer grandes mansiones y a preocuparse por el arte, en particular la pintura, la mayor parte de pequeño formato y realizados sobre tabla.
Los flamencos introdujeron el óleo, y tuvieron gusto por el naturalismo, el paisaje, el retrato y preocupación por el detalle.  En el siglo XV destacaron Roger van der Weyden y Jan van Eyck.
La introducción del óleo será clave para conocer ese detallismo exacto y realista. El óleo al tener un secado más lento y una gama de color mayor, permitirá una mezcla de colores directamente sobre la tabla o el lienzo, esto además permitirá el retoque y la consecuencia será la minuciosidad.

Por vez primera se nos representa la realidad cotidiana, con una profundidad ilimitada, una estabilidad y una continuidad, al mundo de las “hadas” del gótico internacional, donde escala y proporción se pueden variar a voluntad y los tonos brillantes y dorados dominan, se sucede un nuevo arte con tonos apagados y una gama más amplia conseguida por el óleo. La profundidad no se consigue con escorzos violentos, sino con cambios sutiles de luz y color.
Destacan El descendimiento, el matrimonio Arnolfini, el Cordero Místico

El retrato de Giovanni Arnolfini y su mujer está lleno de elementos simbólicos. El cuadro es una alegoría al matrimonio y la maternidad. Giovanni ostenta el poder moral con su mano derecha que bendice y con la otra que sostiene con autoridad la mano de su esposa que parece estar embarazada aunque no es así ya que nunca tuvieron hijos.
Hay una colección de objetos que aparecen sin justificación en el cuadro pero que nos muestran la riqueza de su dueño. Las naranjas que simboliza la fruta prohibida, la cama con sus ropas rojo pasión, la alfombra que muestra la fortuna de sus habitantes, los zuecos de ella y de él. Pisar el suelo aseguraba la fertilidad; Los rosarios, regalo del novio que simbolizan la pureza y virtud. El espejo convexo, llamado “brujas” que se utilizaba para espantar la mala suerte. En torno a él aparecen 10 de las estaciones de la Vía Crucis, La lámpara con una sola vela que simboliza el amor. EL cabezal de la cama con una talla de una mujer con un dragón en los pies , santa margarita patrona de las parturientas . El perro que simboliza Bienestar y felicidad….

En el tránsito del siglo XV al XVI El Bosco (1450-1516), señalando nuevas conquistas de la pintura flamenca. Jerónimo Bosch van Aeken es una de las personalidades más originales de la pintura flamenca.

El Bosco es un formidable técnico, dotado a la par de ardiente imaginación. Su colorido es fogoso, idealista, obteniendo los tonos más delicados y los efectos luminosos más sorprendentes. Funde la luz con el color y consigue medias tintas de perenne calidad. Su pintura marca una posición de protesta contra los temas y las formas habituales en su tiempo. El Bosco se burla de aquella sociedad mendaz y estúpida. No ve a su alrededor sino lujuria y maldad; el mundo es para él una farsa. En rigor, el Bosco no censura, no es un verdadero moralista, sino tan sólo un cronista caricaturesco, de una sinceridad aplastante. Maestro consumado de la ironía, encuentra placer en la evasión hacia la fantasía. El capricho y la invención dan vida a estos seres fantásticos, mezcla de hombres, animales y objetos. El Bosco es un dibujante admirable, preciosista del color, formidable paisajista, ofreciéndonos resplandores celestes o reflejos acuáticos de espléndido efecto.

Veamos un montaje de su célebre Jardín de las Delicias

Buckethead - Spokes for the Wheel of Torment

PINTURA GÓTICA (Mariano Quílez Lacueva)

PINTURA GÓTICA

Características generales

Coinciden con las de la escultura: búsqueda del naturalismo, la humanización de la divinidad y la estilización de las figuras.
•    Se desarrolla la pintura sobre tabla frente a la mural (los muros ya no pueden albergar pinturas, albergan vidrieras y la pintura se traslada a la tabla).
•    Desarrollo de los retablos. Según el número de piezas: dípticos, trípticos, polípticos … Estructura de un retablo:
•    Apenas interesa la perspectiva, los cuadros suelen tener un fondo plano, normalmente de color dorado.
•    Se desarrolló la grisalla (pintura en tonos grisáceos que imita esculturas de piedra o arquitecturas) .

La pintura gótica mediterránea

En Italia, se mantuvo la pintura mural, aunque también se pintó sobre tabla. Se distinguen dos escuelas:
1.    Escuela de Florencia: Giotto di Bondone
Intento de crear sensación de tridimensionalidad, a través de la perspectiva y el volumen.
Gioto (1.270 – 1.337) ya no presenta pinturas simbólicas como en el Románico, se aproxima a la realidad basada en la observación de la naturaleza. Intenta transmitir ilusión óptica de profundidad espacial. Dota de sentimientos a sus personajes mediante la gesticulación. Capilla de la arena, en Padua.
2.    Escuela de Siena: Simone Martini
Fusión de la influencia francesa con la bizantina. Simone Martini, es uno de sus máximos exponentes y su Anunciación su obra más representativa (sobre un fondo neutro dorado se sitúan los personajes en un mismo plano)

 Simone Martini, Anunciación. 1333. Galería de los Uffici (Florencia) 

Pintura gótico flamenca

Características:
•    En el siglo XV se desarrolló en Flandes un tipo de pintura relacionada con el auge de la burguesía comercial. Los burgueses se convirtieron en los nuevos clientes que demandaban obras cuya temática era el retrato.
•    La pintura flamenca alcanzó un extraordinario realismo y grado de detallismo extremo.
•    Una nueva técnica pictórica aparecía: la pintura al óleo.
•    Realización de trípticos con puertas pintadas por las dos caras. En las exteriores figuras en grisalla.
•    Pintores: Hubert y Jan van Eyck, Dierick Bouts, Petrus Christus, Hans Memling, Gerar David, Hugo van der Goes y Roger van der Weyden.

Jan van Eyck (1.390 – 1.441)
•    Máximo representante de la pintura flamenca.
•    Perfeccionó la pintura al óleo (resultado más brillante y permite transparencias, veladuras y desarrollar el paisaje)
•    Intentó representar la realidad tal y como la percibe el ojo humano (importancia al detalle y al espacio tridimensional)
•    Perspectiva que no se basa en fórmulas matemáticas o geométricas, sino en aspectos luminosos y atmosféricos tratados de manera intuitiva.
•    Obras: el Matrimonio Arnolfini y el políptico de la Adoración del Cordero Místico.
   
    
    Adoración del Cordero Místico. 1.432. Catedral de Gante

 Matrimonio Arnolfini.1.434. National Gallery (Londres)

Pintura gótica española

Se nutrió de las diferentes corrientes que dominaban Europa en cada momento. En consecuencia podemos distinguir los períodos siguientes:
1.    Gótico lineal (siglo XIII y primera mitad del XIV).
Pintura marcada por un marcado dibujo de línea gruesa que se rellena de color. Los personajes van adquiriendo una mayor sensación de movimiento.
2.    Gótico internacional (finales del siglo XIV).
Presenta características comunes con el resto de Europa (predominio de la línea curva, movimientos sinuosos, personajes estilizados y elegantes de aspecto cortesano y atención a lo anecdótico y a los pequeños detalles.
3.    Estilo hispanoflamenco (siglo XV).
Alcanzó un importante desarrollo, llegando a proporcionar verdaderas obras maestras.

    Pintura hispanoflamenca
Llegaron las influencias a través del intenso comercio que mantenían España y Flandes. Se importaron pinturas flamencas y pintores hispanos viajaron a Flandes.
•    Lluis Dalmau
Valenciano, como pintor del rey Alfonso V de Aragón  viajó a Flandes, aprendió el arte de Van Eyck y pintó la Virgen de los Consejeros para el Ayuntamiento de Barcelona.

 Virgen de los Concellers, 1445. Museo Nacional de Cataluña
•    Bartolomé Bermejo
De origen cordobés desarrolló su obra en la Corona de Castilla y en la de Aragón. Emplea en sus obras la perspectiva y se interesa en los más mínimos detalles. Obras: la Virgen de Montserrat, San Miguel de Tous, la Piedad Desplá y Santo Domingo de Silos.

 
 Virgen de Montserrat, 1.485. Catedral de Acqui Terme (Alessandria, Italia)

ESCULTURA GÓTICA (Mariano Quñilez Lacueva)

LA ESCULTURA GÓTICA

Características generales

•    Naturalismo: es el rasgo más característico de la escultura gótica. Frente al simbolismo románico, la escultura gótica intenta crear sensación de realidad, tanto en las formas como en los sentimientos de los personajes. Se abandona el hieratismo.
•    Comienzo a liberarse del marco arquitectónico, las figuras de las portadas góticas comienzan a liberarse del marco arquitectónico, adquiriendo mayor movilidad y ganando mayor movilidad. Las figuras de las archivoltas cambian de dirección, se colocan siguiendo la misma dirección del arco.
•    Además de las portadas de las catedrales empiezan a esculpirse las sillerías de los coros, retablos y sepulcros.



•    Temas: sigue presente la utilidad didáctica del románico (Pantocrátor o Juicio Final). Aparecen otros temas relacionados con la humanización de la divinidad (se intenta atraer al fiel mediante un Dios amable que sufre como los seres humanos). La Virgen y los santos aparecen como intercesores ante Dios. Las representaciones de la Virgen con el Niño adquieren vida y alegría.
•    Cambia la apariencia de los crucificados: Jesús sufre en la cruz, el cuerpo no aparece rígido, sino que cae de forma pesada, se acorta el vestido y la corona de rey se sustituye por la de espinas.

La escultura gótica europea

Presenta diferencias:
•    Italia. Fuerte influencia clásica (púlpito del baptisterio de Pisa de Nicola Pisano)
•    Modelo francés, se extiende por toda Europa.
Tres etapas podemos diferenciar en la escultura gótica europea:
1.    Siglo XIII: se mantiene cierta severidad, a la vez se busca la idealización de las imágenes. Portada de la catedral de Reims.
2.    Gótico internacional (siglo XIV): amaneramiento de las figuras, estas se alargan y en ellas predominan los trazados curvilíneos. También hay un interés por resaltar lo anecdótico y por imprimir sentimientos a las obras. Ángel sonriente de Reims.
3.    Siglo XV: imágenes más voluminosas y personajes en los que sus sentimientos derivan hacia el patetismo. Se inicia el retrato (interés por captar de forma naturalista las expresiones de los rostros). El Pozo de Moisés y la tumba de Felipe el Atrevido.

La escultura gótica española

•    Sigue las mismas pautas que en el resto de Europa.
•    En Castilla, la influencia francesa es más fuerte, mientras que en la Corona de Aragón se deja notar la italiana.
•    La cronología es la misma que la europea.

1.    Siglo XIII: trabajan los maestros franceses en las catedrales de Burgos y León. Puerta del Sarmental y la puerta de la Coronería en Burgos. Puerta del Juicio y la Virgen Blanca de la fachada de la Catedral de León.

  Portada de la Catedral de León. Siglo XIII

 2.    Siglo XIV: destacan esculturas exentas. La Virgen Blanca de Toledo y el San Carlomagno de Gerona.

3.    Siglo XV: influencia franco-borgoñona y flamenca. Destacan dos grandes escultures:
 Guillem Sagrera (1.380 – 1.454). San Pedro de la portada del Mirador de la catedral de Palma de Mallorca, obra de gran monumentalidad. El ángel de la portada de la Lonja.
  Gil de Siloé (1.486 – 1.503). Trabajó en Castilla, destaca por su excelente dominio de la técnica. La Cartuja de Miraflores.

LA ARQUITECTURA GÓTICA (Mariano Quílez Lacueva)

LA ARQUITECTURA GOTICA

Introducción

La arquitectura gótica surgio, a mediados del Siglo XII, en la Isla de Francia (L'Ille de France). El Nuevo Estilo rompe con el estilo anterior El Románico. Esta ruptura es dara:

•  En los Aspectos Constructivos y simbólicos de la arquitectura.
•  En El naturalismo perseguido Por la Escultura y la Pintura.

La Orden del Císter contribuyó a propagar el Nuevo Estilo. Desde los alrededores de París, el Gótico  se extendió al Resto del Continente Europeo.

La Cronología del Gótico abarco desde mediados del Siglo XII Hasta Principios del Siglo XVI:

•         Siglo XII: Orígenes

•         Siglo XIII: plenitud

•         Siglo XIV Hasta mediados del XV: Internacional

•         Segunda Mitad del XV flamígero

 

El Nuevo Sistema constructivo

Elementos  fundamentales

1. Empleo del arco apuntado (arco formado por dos segmentos de circunferencia que se apuntalan mutuamente y apoyan. El arco apuntado desplaza las fuerzas hacia los laterales, de manera que el muro que queda bajo el arco apenas recibe peso .
2. El cruce de dos arcos apuntados: Una forma Bóveda de crucería. Los arcos visibles que quedan reciben el nombre de nervios y se cruzan en el centro o clave. Esta Bóveda se apoya sobre dos arcos formeros (perpendiculares al eje longitudinal de la nave) y sobre dos arcos fajones (paralelos al eje longitudinal ). Los espacios entre los nervios se llaman plementería.
3. Con el tiempo, las bóvedas se fueron complicando, originando bóvedas estrelladas. También se diversificaron los tipos de arco (carpanel, conopial y escarzano fueron los mas utilizados  junto al apuntado)
4. Los nervios de las bóvedas eí prolongan por el muro y los pilares. Los nervios, convertidos en finísimas columnas sobre muros y pilares, reciben el nombre de baquetones. Una especie de friso corrido o banda (capitel corrido) recorre el haz de baquetones uniéndolos.
5. Mientras que los empujes verticales son absorbidos por los baquetones, los laterales llevan al exterior a través de los Arbotantes. Los arcos rampantes que nacen en la  parte superior de la nave central, a la altura del arranque de la bóveda, y pasan sobre las naves laterales, se apoyan en los contrafuertes. Los contrafuertes se estabilizan verticalmente mediantepináculos (especie de pilar piramidal que se situa obre el contrafuerte).
6. Para desaguar los tejados, los arbotantes estan acanalados en la  parte superior, expulsando el agua a través de Gárgolas.
7. Los muros al no recibir descargas, son delgados, horadados por grandes ventanales, que se cierran con vidrieras de colores. Asi las iglesias goticas reciben la luz, debido a la altura de las naves y a la sensación de verticalidad, lo que origina enorme nteriores de espiritualidad y simbolismo. Dios es la Luz del Mundo y cuanto más cerca de Dios estè más esencia divina se recibira.

                                                   

Los Edificios Religiosos

Con el resurgir de las ciudades en el siglo XIII, la catedral convirtio en el edificio gótico por excelencia. Las ciudades medievales compitieron por construir la catedral más espléndida para glorificar a Dios y la Virgen, y para reflejar su Poder. Esta catedrales constituían un auténtico orgullo ciudadano puesto su construcción cuponía un inmenso esfuerzo económico.

La Palabra catedral deriva del latín cátedra o Sede del Obispo, que se ncontraba en el interior de la catedral Eran precisamente los Obispos los impulsores de su edificación. Las catedrales desempeñaron  un papel importantísimo, no solo religioso, en la sociedad medieval.

Las Características Comunes de las las Catedrales Goticas:

1.      La planta, sigue el modelo de cruz latina con tres o cinco naves, siendo la central de  más ancha y alta. El transepto tiene la misma situación y sus brazos son tan Largos de como  en  el románico. Casi la mitad del templo queda ocupado por la cabecera, que ppuede tener hasta cuatro tramos

Planta de la Catedral de Chartres, Siglos XII y XII

2.      El ábside tiene girola. Fué adoptado en las Iglesias de Peregrinación y es el doble en algunos casos. Alrededor de la girola  se abren capillas radiales. El ábside es poligonal, debido al uso de la Bóveda de crucería.

3.      En el interior del Templo, el paramento de la nave central està dividido en niveles.

a.       Primero: Corresponde al de Lls Arcadas que separan las naves.

b.      Segundo: El triforio recuerdo de las galerías o tribunas de las Iglesias de Peregrinación. Las Galerías casi carecen de servicio arquitectónico convirtiéndose en mero elemento  decorativo

c.       Tercero: en la superior aparece ele El claristorio, gandes ventanales con vidriera.

           

4. Tanto en los pies del Templo de Como en los brazos del transepto encontramos Grandes Fachadas monumentales con decoración escultórica. La fachada principal suele tener tres accesos Qqe se corresponden con las tres naves del interior. Las Portadas tienen arcos apuntados y abocinados reciben decoración en las arquivoltas, tímpano, parteluz y jambas.

Sobre La Puerta central se dispone el Rosetón (Gran Ventana de forma circular decorada de tracerías y vidrieras). Sobre las puertas laterales se levantaban dos torres campanario rematadas por Agujas (remate o cubierta muy alta y estrecha piramidal) . Toda la superficie de la fachada recibe decoración: gabletes (elemento triangular situado sobre las portadas de las Catedrales) Sobre Las puertas, galerías de arcos ciegos y calados, estatuas y finas tracerías (Decoración en piedra de formas geométricas caladas). Todo contribuye a crear un fecto de verticalidad y dinamismo.

El Gótico francés

Tres períodos debemos Investigaciones destinadas en la evolución del arte gótico en Francia:

1.      Gótico o protogótico inicial (Segunda Mitad del Siglo XII), coinciden con  el final del románico. A esta etapa pertenecen los monasterios cistercienses de Citeaux y Las catedrales de Laon, Noyon, Senlis y París. Obras robustas y sólidas, en las que ya aparece el arco apuntado.

2.      Gótico clásico (Siglos XIII y XIV). Más de formas esbeltas, los Templos son mas Altos y las  vidrieras ocupan casi todo el muro. Obras: catedrales de Chartres, Amiens, Reims, Bourges y la Santa Capilla de París.

3.      Gótico flamígero (siglo XV). Abundancia de arcos con decoración y más complejos, como el conopial. Obras: catedral de Tours.

Gótico inglés y Arnoldo Alemán

1. Inglaterra: Predominan las Fachadas menos esbeltas que las Francesas. Característico del gótico inglés es la aparición de las  bóvedas de abanico (de cono invertido , con molduras concéntricas). Obra: del Capilla del King's College, en Cambridge.
2. Alemania: Influencia del Gótico francés, destacan las fachadas por sus enormes torres terminadas en Altas Agujas Caladas. En el interior planta de salón, en en donde las tres naves tienen la misma altura.

Gótico mediterráneo e italiano

            Tendencia al Estilo de la horizontalidad, la sobriedad y la escasez de vanos en los muros. En Italia no arraigó el gótico francés, tan facilmente como en ctros países Europeos. Una Característica es la utilización de mármoles de colores.

La arquitectura civil

La arquitectura civil adquiere una Importancia extraordinaria durante el gótico. La puenjanza economica vive en Europa gracias al resurgir del comercio en el siglo XII, así como el renacer urbano,  lo que explican el auge de la arquitectura civil que contará con el apoyo de la burguesía y la Nobleza.

En primer lugar podemos señalar los palacios y las residencias señoriales. De los palacios reales quedan pocos restos, ya que posteriormente seran sustituidos por edificios más acordes dcon el esplendor de las monarquías absolutas. En cambio si aparacen grandes  residencias señoriales, en donde la Nobleza y la burguesía, como grupo social cada vez más fuerte, dejarán constancia de su poder y riqueza. Seguirán construyéndose castillos aunque perderán paulatinamente su carácter defensivo y su uso militar convirtiéndose en residencias suntuosas .

Lonja de Ypres

En los países en los que  las comunidades urbanas, con la burguesía al frente, consolidan  su poder, aparecieron edificios destinados a albergar la sede de las correspondientes instituciones municipales y gobiernos. Los ayuntamientos adquieren  una enorme relevancia, al convertirse en centro del Poder Burgués y en símbolo de su creciente  importancia social y de las libertades ciudadanas (Edificios en los Paises Bajos, destacando los de Brujas, Lovaina, Bruselas ... con decoración profusa en sus fachadas).

Dentro de las Ciudades encontramos también las torres del Reloj, símbolo de la ciudad, las Lonjas de Contratación o Casas Comerciales, Hospitales... los Mercados y las Lonjas tienen  su origen en Las Logias italianas, pórticos donde llevaban a cabo las Transacciones Comerciales. Posteriormente seran sustituidas por edificios con grandes salones. Los Hospitales  tendran una gran sala rectangular con cubierta de madera y capilla con un altar  al fondo para quelos enfermos puedan asistir a  las ceremonias religiosas.

La arquitectura gótica en España

         Es necesario diferenciar la Corona de Castilla de la Corona de Aragón. En La Primera, la influencia del Gótico francés se absorbe rápidamente, en La Segunda se desarrolla una más cercana al Gótico mediterráneo.

Corona de Castilla

            En El Siglo XIII, se construyeron las principales catedrales castellanas:

·         Catedral de Burgos: iniciada en 1221.

·         Catedral de Toledo: iniciada UNOS Años Más Tarde (1226).

·         Catedral de León: Una iniciada mediados del Siglo XIII.

Catedral de Burgos: alzado y planta inspirados en los modelos francess. La planta està simplificada (tres naves y deambulatorio). La capillas radiales en la cabecera y crucero de una sola nave. El alzado de la nave central està dividido en Tres Secciones (Arquerías, Ventanas y triforio con vidrieras).

Destaca la fachada occidental , con hasta cuatro cuerpos superpuestos que se rematan con esbeltas agujas Caladas.

Catedral de Toledo: Con planta cinco naves de desigual de altura. El Crucero tiene una sola nave. En la cabecera tiene doble girola.

Catedral de León: Durante la segunda mitad del siglo XIII. La fachada principal està inspirada en la de Chartres (arcos triples con entrada, pináculos y rematada con Gran Rosetón). En el interior (planta basilical de cruz latina) influencia de Reims. Consta de naves, transepto con naves y ábside Con capillas radiales y girola poligonal. Tiene grandes ventanales, cuyas vidrieras ocupan  una superficie de más de 1.700 m2. Destaca por su esbeltez y el conjunto amarillo de sus vidrieras.

Corona de Aragón

            Características:

1.      Ausencia de Elementos decorativos en los muros.

2.      Poca Superficie ocupada Por los ventanales.

3.      La Construcción de capillas Entre contrafuertes.

4.      Escasa diferencia de altura entre las naves para conseguir crear un espacio unitario.

Obras:

1.      Catedral de Lleida (siglo XIII)

2.      Catedrales de: Santa María del Mar y Catedral de Barcelona, de Girona, Palma de Mallorca y Zaragoza (siglo XIV)

3.      Lonjas de: Valencia y Palma (siglo XV)

Arquitectura cisterciense

Obedece al ideal monacal de la Orden del Císter. Fué una arquitectura austera en la que nada debia distraer a la vida de los Monjes. Los Elementos decorativos estan desprovistos de decoración.

            Destaca El Monasterio de Santes Creus (un 1,175 1.238):

·         Iglesia de cabecera plana Cuadrados ábsides y

·         El Refectorio (Desaparecido) Sí construyó de forma perpendicular al Estilo de galería del claustro.