LOS PRECURSORES (Giotto y los Flamencos)

RENACIMIENTO
•    Nueva ideología, como consecuencia del progreso de las ciudades y de las Universidades.
•    El ser humano medida de todas las cosas
•    Dos momentos claves: Pintura flamenca y pintura italiana. La primera dentro de una tradición goticista y la segunda siguiendo la tradición bizantina.
•    Los flamencos muestran al ser humano como alguien subjetivado, es decir realista, y el paisaje nos lo presenta tal como es, en cambio en Italia, esa tradición bizantina hace que el paisaje se nos muestre como algo ideal
•    Los promotores del nuevo arte serán una nueva “clase social”, que solicitan el trabajo de los artistas –los burgueses-, que a su vez los protegerán

Los precursores

Cimabue (Florencia, h. 1240-Pisa, 1302), es claramente bizantino (sus pinturas parecen mosaicos bizantinos) utilizando el temple con fondos dorados y un fuerte estatismo en sus figuras.
Las figuras de Cimabue  se escalonan con una perspectiva caballera, todo muy mental por lo que carece de realismo. Los volúmenes en sus plegados  dan la sensación de estar en el mismo plano, esto provoca que tengan una tensa inmovilidad, aunque con una profunda espiritualidad.

Duccio di Buonisegna, (c. 1255/1260, Siena - c. 1318/1319, Siena) es el primer pintor sienes importante. Su obra capital es la Madona para la catedral, en la que trata de introducir alguna expresión y realismo, aunque siga muy apegado a la rigidez icónica del arte bizantino. Además tiene rasgos goticistas como la figura de la Virgen sentada y más grande que el resto de las figuras. Su discípulo mas celebre fue Simone Martini, sabe dar a sus figuras más gracia y soltura, como lo revela la encantadora Anunciación, del museo de los Oficios



Giotto di Bondone (Florencia 1267 -, 8 de enero de 1337): En este artista el bizantinismo es algo ya pasado, residual. Se da cuenta que el espacio mental no es real, y él lo que busca es conseguir esa realidad, con un volumen y con la profundidad a base de planos, colocando espacios esquemáticos (paisajes, arquitecturas...), hasta llegar a la profundidad o espacio ilimitado, que es el cielo azul; todo esto hasta ahora el bizantinismo había negado. Con Giotto el horrror vacui desaparece, no amontona las figuras, crea un espacio vacío, rellena con un paisaje, lo que hace destacar a las figuras principales. Empieza a dar un claroscuro en los plegados de los vestidos, creando contrastes, junto a ello los personajes componen escenas, se acentúa el movimiento y el volumen y el color alcanzan un protagonismo inusitado.

Realizó sus temas en pintura mural  de dos capillas, la Capilla Arena, la mejor conservada y la más importante de su carrera y la Capilla Scrovegni, ambas en Padua. Estos murales son pasajes bíblicos con una intención didáctica, narrativa,  propia de la Edad Media.
Para sus contemporáneos la ilusión de realidad debe haber parecido un milagro, comparado solamente a los clásicos griegos. Las historias relacionan a Giotto con la idea de superioridad de la pintura sobre la escultura que se propagó en el Renacimiento y que hicieron de ella la mayor de las Artes en la Historia Occidental. De ahí que se dice que la pintura nace con Giotto, modelo de los artistas que le siguieron.


Los primitivos flamencos





Flandes, desde el siglo XIII, alcanzó un notable desarrollo textil y con ello, un gran incremento del comercio. Fue así como en algunas ciudades de la zona (Brujas, Lovaina, Gante) surgió una poderosa clase burguesa que consiguió convertir a todo la región en un área de gran riqueza. Ello permitió que estos grupos sociales alcanzaron un elevado modo de vida y dedicaran parte de sus ingresos a poseer grandes mansiones y a preocuparse por el arte, en particular la pintura, la mayor parte de pequeño formato y realizados sobre tabla.
Los flamencos introdujeron el óleo, y tuvieron gusto por el naturalismo, el paisaje, el retrato y preocupación por el detalle.  En el siglo XV destacaron Roger van der Weyden y Jan van Eyck.
La introducción del óleo será clave para conocer ese detallismo exacto y realista. El óleo al tener un secado más lento y una gama de color mayor, permitirá una mezcla de colores directamente sobre la tabla o el lienzo, esto además permitirá el retoque y la consecuencia será la minuciosidad.

Por vez primera se nos representa la realidad cotidiana, con una profundidad ilimitada, una estabilidad y una continuidad, al mundo de las “hadas” del gótico internacional, donde escala y proporción se pueden variar a voluntad y los tonos brillantes y dorados dominan, se sucede un nuevo arte con tonos apagados y una gama más amplia conseguida por el óleo. La profundidad no se consigue con escorzos violentos, sino con cambios sutiles de luz y color.
Destacan El descendimiento, el matrimonio Arnolfini, el Cordero Místico

El retrato de Giovanni Arnolfini y su mujer está lleno de elementos simbólicos. El cuadro es una alegoría al matrimonio y la maternidad. Giovanni ostenta el poder moral con su mano derecha que bendice y con la otra que sostiene con autoridad la mano de su esposa que parece estar embarazada aunque no es así ya que nunca tuvieron hijos.
Hay una colección de objetos que aparecen sin justificación en el cuadro pero que nos muestran la riqueza de su dueño. Las naranjas que simboliza la fruta prohibida, la cama con sus ropas rojo pasión, la alfombra que muestra la fortuna de sus habitantes, los zuecos de ella y de él. Pisar el suelo aseguraba la fertilidad; Los rosarios, regalo del novio que simbolizan la pureza y virtud. El espejo convexo, llamado “brujas” que se utilizaba para espantar la mala suerte. En torno a él aparecen 10 de las estaciones de la Vía Crucis, La lámpara con una sola vela que simboliza el amor. EL cabezal de la cama con una talla de una mujer con un dragón en los pies , santa margarita patrona de las parturientas . El perro que simboliza Bienestar y felicidad….

En el tránsito del siglo XV al XVI El Bosco (1450-1516), señalando nuevas conquistas de la pintura flamenca. Jerónimo Bosch van Aeken es una de las personalidades más originales de la pintura flamenca.

El Bosco es un formidable técnico, dotado a la par de ardiente imaginación. Su colorido es fogoso, idealista, obteniendo los tonos más delicados y los efectos luminosos más sorprendentes. Funde la luz con el color y consigue medias tintas de perenne calidad. Su pintura marca una posición de protesta contra los temas y las formas habituales en su tiempo. El Bosco se burla de aquella sociedad mendaz y estúpida. No ve a su alrededor sino lujuria y maldad; el mundo es para él una farsa. En rigor, el Bosco no censura, no es un verdadero moralista, sino tan sólo un cronista caricaturesco, de una sinceridad aplastante. Maestro consumado de la ironía, encuentra placer en la evasión hacia la fantasía. El capricho y la invención dan vida a estos seres fantásticos, mezcla de hombres, animales y objetos. El Bosco es un dibujante admirable, preciosista del color, formidable paisajista, ofreciéndonos resplandores celestes o reflejos acuáticos de espléndido efecto.

Veamos un montaje de su célebre Jardín de las Delicias

Buckethead - Spokes for the Wheel of Torment