LA ESCULTURA DEL CUATTROCENTO

ESCULTURA

•    La escultura renacentista es menos rupturista con el pasado gótico, debido en particular al hecho de que desde ya hacía mucho tiempo la escultura religiosa de la Iglesia había servido para cristianizar a la población europea.
•    Deja de depender del marco arquitectónico como en el pasado medieval y se convierte en un arte realista. Sus materiales son variados, aunque fundamentalmente son  mármol y bronce.
•    Vehemencia por la naturaleza y el desnudo idealizado o natural.
•    Expresión de los sentidos y pasiones humanas.
•    Reinterpretación modernizada de los cánones clásicos.
•    Temáticas diversas: mitología, religión, historia, leyendas, etc.
•    Las primeras manifestaciones de la escultura renacentista vienen de la mano de dos grandes artistas florentinos: Ghiberti y Donatello.
El tema se planteará en el concurso de las Puertas del Baptisterio de Florencia. La primera de las puertas había sido obra de Andrea Pisano y ahora se trataba de hacer las segundas puertas; allí se encontrarán Brunelleschi y Ghiberti, cada uno con una plancha distinta pero del mismo tema: El Sacrificio de Isaac. Brunelleschi plantea un medallón cuadrifolio, con una distribución muy apretada, que nos recuerda a los relieves góticos por ese horror vacui, así como el desnudo que carece de constitución, a pesar de esto el tratamiento de los paños si es totalmente clásico.

Ghiberti en cambio es diferente, no intenta ocupar todo el espacio, sino que aglutina la escena principal en un lado, dándole verticalidad y gran profundidad. El sentido clásico es mayor en el tratamiento del cuerpo de Isaac, ya con un gran preciosismo en su ejecución, totalmente clásica.   Ghiberti gana a concurso.
En estas segundas puertas (Norte) aparecen 28 escenas con temas de la vida de Cristo, más los Evangelistas y los Padres de la Iglesia sobre fondo plano y en cuadros lobulados.
Haría, por último las puertas del lado este, en donde hubo cambios significativos; primero en la disposición. El número de escenas se reduce a diez relieves, la forma es cuadrada (lo que ayudará a su efecto pictórico) y el tamaño aumenta con respecto a la segunda puerta.
El tiempo de ejecución es dilatado (27 años) lo que nos habla del virtuosismo de la ejecución y de una depurada técnica de fundido en bronce, además del cincelado y el sobredorado, sin duda uno de los grandes hallazgos de un taller donde se formaron gran número de artistas de la primera generación florentina.
La composición es muy importante: hace rodar las formas en torno a un centro ideal que se convierte en eje respecto a la composición. Enmarca los diez relieves en una orla de adornos vegetales y cabezas de profetas situados en ambos batientes de la puerta. El paisaje y las arquitecturas representan un escenario donde los personajes ocupan un lugar preciso en el espacio, en la proporción y en el volumen. Más que ante un geometrismo abstracto, estamos ante la captación del movimiento.
La   iconografía   se   dedica   al   Antiguo Testamento (Caín y Abel, Encuentro de Salomón y la reina de Saba, Historia de Esaú y Jacob, La Creación y el Pecado original. Historia de David y Goliat, Historia de José).

DONATELLO es, junto a Ghiberti, el más hábil escultor del primer Renacimiento. Tras viajar a Roma con Brunelleschi, donde consolida sus conocimientos de la plástica clásica, realiza   David   con   la   cabeza   de   Goliat (1430),  posiblemente  el primer desnudo desde la antigüedad y ejemplo claro del humanismo  y  del   realismo.  La  temática religiosa se convierte en mero pretexto para la realización de un volumen de clara evocación clásica.

Efectivamente la referencia helenística se deja ver en la composición-  con el  contrapposto que da al cuerpo ese movimiento contenido tan   propio  de   la   escultura  clásica  (La evocación de Praxíteles es inevitable).
Donatello es también el autor del Monumento ecuestre al condottiero Gattamelata en Padua. El artista a un género de inspiración clásica (estatua ecuestre de Marco Aurelio). Donatello adopta la línea cerrada y apoya la pata del animal sobre la bola para garantizar el equilibrio y cerrar el conjunto en sus límites de contorno.
El movimiento se presenta en preparación- Gattamelata pasa revista y avanza de manera despaciosa. Se convierte en una representación de la "potestas" romana, la fuerza que da la convicción y no la arrogancia o la violencia.
El naturalismo es evidente y se concreta en la expresión del rostro, en el mentón, en los pómulos.
También debe destacarse la perfección técnica, la dificultad de ejecución que implica un bronce de semejante tamaño.

Andrea VERROCHIO 35 años después, en este caso para representar al Colleone en 1479 en una plaza veneciana. Las diferencias de tratamiento son evidentes:
a)    El detallismo es mayor. El trabajo a buril tras   el   fundido   se   nota.
b)    El movimiento y el nerviosismo del caballo y del jinete que se aprecian en el rostro, la mirada y el giro del caballo, provocan una riqueza de planos y multiplican los puntos de vista.
c)    La   representación  del   poder  también   es distinta.   Este   condottiero   pasa   también revista a sus tropas pero infunde miedo.
d)    Estamos ante un guerrero con la indumentaria de la época, que deja de vestir a la romana.
e)    El retrato no es genérico. El espectador está también incluido ya que pensando en él, y en la distancia óptica a la que se encuentra en la plaza, Verrochio modifica la escala del jinete y la agranda con respecto al caballo que se convertiría en muy pequeño si el jinete descendiese.
(A partir del libro de Carlos Mas)